第1个回答 2022-06-16
音乐家和画家的相同与不同。
学画，学写字，要从学习技法开始。要学习怎样用笔，怎样用色，怎样构图。有了一定的技法基础，就开始通过临摹的方式学习。
“摹”，是将要学习的作品放在下面，上面铺上一张纸，原稿透过纸张浮现出来，然后顺着浮现出来的原稿影子描摹的学习方法。
“临”，是将要学习的作品放在旁边，看一眼原稿，然后自己模仿着原稿的笔法、走向，在自己的纸上画出来的学习方法 。
“临”要比“摹”难度大一些，所以小孩学写字的时候用描红本， 顺着已经印好的字描摹上去；有一些基础之后，就要“临”帖，拿着名家作品放在旁边，看一眼，写一点，力求与原作同步。一开始追求形似，进一步追求神似。
临到炉火纯青的时候，可以脱离原稿，不看原稿，依然可以写出与原稿一样形神兼备的字来。但这时依然是在“临摹”，只是将原稿装在心中而已，写字时还是在复制心中的原稿。大部分所谓书法家其实就是走到了这一步，而且还沾沾自喜，自我陶醉，满足于我的柳体写得无人能比，他的颜体写得惟妙惟肖。这些书体写得人太多了，高手太多了，就有人另辟蹊径，找些生僻的碑帖来学，所以又可以看到众多的金文、汉简专家出现了。
画家大抵也是如此，不过除了笔墨、线条、布局、风骨之外，还要多掌握些色彩、透视等等技法。作画时依然模仿心中已有的名家意蕴。
有一些画家书法家，力求师古而不泥古，尽力摆脱名家印记，创立有自我特色的独特形式、独特技法，这就高明一步了。更进一步，则是摆脱技法和形式的束缚，将写字作画当做表达思想的载体和工具，以思想为指引， 不拘技法、不拘形式，重在记录和传达自己对世界人生的领悟。走到这一步的人就属凤毛麟角了。可喜的是，写字作画者中，勤于学习、善于思考的还是大有人在，没有思想的人是成不了画家书法家的，至多成为画匠而已。
其实音乐家的情况更不容乐观，没有思想的音乐匠可是大有人在！
学习音乐和学习写字作画一样，也是先从技术开始学起，学习怎么样操控乐器，怎么样掌握声音，怎么样自如地控制好自己的手臂、手指，声带等。
然后，还是临摹，所谓“摹”，就是老师手把手地教，老师做一个动作，学生模仿一个动作，老师唱一句，学生模仿一句。所谓“临”，就是眼前摆着乐谱，看一眼，弹一点，看一眼，唱一句。音乐有很多细节乐谱是无法完全记录下来的，怎么办呢？听，听名家演奏，模仿名家的速度、力度、气息、句法等等。练习的熟练了，那就可以不用看乐谱了，该弹什么都在心中记住了，也可以不用听示范了，该怎么表现也在心中记住了。
更进一步，就是在临摹出基础上，加入自己的理解。有句话说：音乐是三度创作的，第一度创作是作曲家完成的，他把想说的事用乐谱记录下来；第二度创作是演奏家演唱家完成的，他们把作曲家的想法重现，展示出来，优秀的演奏家当然不愿意做录音机，他们会在尊重作曲家原本思想的基础上，加上自己对作品的认识和理解，再传达出来；第三度创作的听众完成的，他们在听赏音乐作品时，不仅听到了作曲家的思想，还听到了演奏家对作品的理解，之后，这个作品到底在表现什么呢？听众还会有自己的理解，这就是第三度创作。
可以看出，优秀的演奏家歌唱家不仅复制和“临摹”原作，还会加入自己的阅历和思想。但是，在音乐的作品演奏和演唱方面，很难有独创性。因为，一方面，一首作品，往往已经有一些大家以他们深刻的思考，为后代树立了标杆，这个标杆是很难超越的。其次，演奏和演唱行为本身的“临摹”属性决定了，留给演奏家和歌唱家自由发挥的空间已经很小了，在首先保证忠实再现原作者思想的前提下，再进一步发挥是很困难的。
大部分音乐家就能走到这一步，这一步中间，有很多人可以没有思想都可以生存，因为需要音乐匠的场合其实是很多的。少部分可以有一些思想，但由于这种“临摹”式的职业特点，对独立思想的限制很多，决定了他们思想的广度、深度均不够，长此以往，即使不思考也可以生存下去，那么，愿意思考，会思考的人就越来越少了。
那么音乐家就不能成为具有独特思想，将作品作为表达思想的工具使用的人呢？可以，那就是成为一个作曲家！作曲家可以将音乐作品当做工具使用，一切技法、风格都是可以利用的工具而已。而且，由于是第一度创作，可以完全按照自己的想法来，不必顾忌原作者是怎么想的，因为自己就是原作者；不必顾忌名家是怎么表达的，因为作品是首创的，还没有任何名家演绎过；更不必顾忌听众会怎样想，因为我想让你怎么想，我就怎么写！